Art Gstaad 2026

Helene Appel rend présentes les choses qu’elle peint, à échelle réelle, sur une toile de lin brute, indexant le format et la technique de chaque tableau à son sujet. Ne renonçant à aucune trivialité, sa peinture délivre une vision aussi dépouillée que possible, loin de toute interprétation morale ou métaphysique. La vérité crue d’objets fragiles et banals est saisie avec un réalisme à la fidélité implacable, dans la perfection de l’instant. L’œil n’est pas manipulé comme dans un trompe-l’œil, il est au contraire encouragé à détailler les qualités esthétiques inhérentes aux brindille, eau savonneuse, filet de pêche, enveloppe, fenouil haché... L’apparente simplicité de rendre vivants ces objets par la peinture ouvre sur l’abyssale exploration des relations entre art et réalité. Ou dit brièvement : « What you see is what you get… but take a better look at what you see. »

Née en 1976 à Karlsruhe (Allemagne), et vivant à Berlin, Helene Appel est diplômée de l’école d’art de Hambourg et du Royal College of Art de Londres. Elle a exposé entre autres au Museo Marino Marini (Florence), à la Drawing Room et à la Hamburger Kunsthalle de Hambourg, à la Städtische Galerie de Delmenhorst, à la Fondation Thalie (Bruxelles). Ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques et privées, en Grèce (National Museum of Contemporary Art), Italie (La Gaia), Allemagne (Olbricht Collection) et Grande-Bretagne (Touchstones Rochdale, …).

L’œuvre de Glen Baxter est reconnaissable entre tous. Le procédé est simple, efficace et constant depuis presque 50 ans : une saynète dessinée à l’encre et au crayon est mise en tension par une courte légende dissonante, voire disjonctive. Glen Baxter échafaude un monde parallèle à partir du détournement burlesque d’une iconographie-source des années 1930 et 1940 qui lui livre son lot de cowboys, boyscouts et golfeurs en tweed. La prose recherchée le dispute au caractère suranné des images, le tout se mariant avec élégance dans une recherche du frisson cher aux surréalistes comme de Chirico ou Max Ernst. Déroutants de nonsense, vifs comme des traits d’esprit, tragi-comiques comme la vie, ces dessins bavards célèbrent les vertiges des accidents de langage.

Né en 1944 à Leeds, Glen Baxter est un ancien élève de l’Art School de Leeds. Après plusieurs séjours à New York dans les années 1970 où il s’initie à la poésie dans les cercles de la St. Mark’s Church, il finit par s’établir à Londres. Il enseigne au Goldsmith College pendant une quinzaine d’années. Glen Baxter est exposé régulièrement à New York, Londres, Tokyo, Sydney, mais aussi en France, où ses œuvres ont été montrées dans de nombreuses institutions et figurent dans une quinzaine de collections publiques, notamment le Centre Pompidou, le CNAP, et plusieurs FRAC. Il est aussi collectionné par la Tate Gallery et le Victoria & Albert Museum à Londres, ainsi que par le MoMA à New York. Ses dessins sont régulièrement publiés dans Le Monde, l’Observer, Vanity Fair ou le New Yorker et il a publié une cinquantaine d’ouvrages.

Depuis les années 1990, Françoise Pétrovitch façonne l’une des œuvres les plus puissantes de la scène française. Parmi les nombreuses techniques qu’elle pratique – céramique, verre, lavis, peinture, estampe ou vidéo – le dessin tient une place particulière. Dans un dialogue constant avec les artistes qui l’ont précédée et se mesurant aux motifs incontournables de la « grande peinture » – Saint-Sébastien, natures mortes, etc. –, Pétrovitch révèle un monde ambigu, volontiers transgressif, se jouant des frontières conventionnelles et échappant à toute interprétation. L’intime, le fragment, la disparition, les thèmes du double, de la transition et de la cruauté traversent l’œuvre que peuplent animaux, fleurs et êtres, et dont l’atmosphère, tour à tour claire ou nocturne, laisse rarement le spectateur indemne.

Des expositions monographiques lui sont régulièrement consacrées, en France et à l’étranger, à l’instar du Fonds Hélène et Édouard Leclerc à Landerneau et la Bibliothèque nationale de France en 2022, et le Musée de la Vie romantique à Paris en 2023. En 2018, elle est la première artiste contemporaine à bénéficier d’une exposition personnelle au Louvre-Lens. Depuis quelques années, Françoise Pétrovitch réalise de monumentaux wall drawings, et de très grands ensembles, comme pour la Galerie des enfants au Centre Pompidou, le West Bund Museum à Shanghai ou pour les Ballets du Nord. Ses œuvres figurent dans de multiples collections publiques et privées, notamment le Centre Pompidou, Paris (FR), le Museum Voorlinden, Wassenaar (NL), le National Museum of Women in the Arts, Washington DC (US), le Musée Jenisch, Vevey (CH), les musées d’Art moderne et contemporain de Saint-Étienne (FR) et de Strasbourg (FR), le MAC VAL (FR), de nombreux FRAC, ainsi que les Fondations Salomon et Guerlain et le Fonds de dotation Emerige.

Né en 1980 à Versailles (FR), Laurent Proux vit et travaille à Paris. En peinture ou en dessin, Laurent Proux produit une imagerie puissante et inédite, qui cherche à résoudre par des choix formels les questions soulevées par ses sujets. Qualifié par certains de réaliste en raison des objets représentés – machines industrielles, lieux de travail, corps sexualisés, etc. –, son style s’émancipe par l’exploration continuelle de solutions picturales, intégrant aberrations, télescopage de plans et couleurs artificielles, définitivement affranchies de l’opposition entre figuration et abstraction. Le corps humain est traité par fragments, exagérations et silhouettes, pour mieux le rapprocher d’un corps-machine, politisé et violenté, souvent dérangeant, parfois sentimental. Construisant l’espace de son tableau comme une scène à la lisibilité altérée, l’artiste adresse à l’attention du spectateur une énigme visuelle et intellectuelle à arpenter du regard.

En 2025, la première exposition personnelle de Laurent Proux au sein d’une institution a lieu au Musée de l’Abbaye à Saint-Claude. Ses œuvres sont conservées parmi les collections du Centre National des Arts Plastiques (CNAP), des Fonds régionaux d’art contemporains (FRAC) Occitanie, Limousin et Nouvelle-Aquitaine et du Fonds Municipal de la Ville de Paris (FMAC). Son travail a fait l’objet d’expositions au Mana Contemporary Chicago (US), au Shanghai Art Museum (CN), au Center for Contemporary Arts de Moscou (RU), au Musée d’art contemporain de Lyon (FR), au FRAC Limousin à Limoges (FR), au Lieu Commun à Toulouse (FR) et au Musée d'Art moderne et contemporain de l'Abbaye Sainte-Croix aux Sables-d'Olonne (FR). Laurent Proux a été pensionnaire de la Casa de Velázquez à Madrid (ES).

Les figures de pierre de Stefan Rinck composent une population bigarrée et comique, d’animaux pour la plupart, chimères ou monstres. Costumés, masqués, dotés d’attributs, nommés d’après des héros de la mythologie grecque, ils composent une assemblée de non-humains discordante mais parente : ils viennent d’un autre monde, d’un imaginaire archaïque, tissé de mythes et de légendes. À travers cette faune, l’artiste explore une pratique typique du Moyen-Âge : la sculpture par taille directe de figures de pierre.

Son travail rappelle les personnages de l’art roman qui animent les chapiteaux et les tympans d’églises. Ce sont des figures grotesques, dans lesquelles on reconnaît le comique vitaliste, typique du réalisme médiéval, qui s’exprimait dans les processions bouffonnes, lors de fêtes religieuses et populaires. Si le Moyen-Âge colore l’art de Stefan Rinck, ses références se cristallisent autour de quelques obsessions « gothiques », à la manière romantique : un goût pour la mythologie et les contes populaires, d’époques et de cultures différentes, pour le fantastique ou les figures de l’hybris ou de la démesure.

Stefan Rinck a bénéficié de nombreuses expositions personnelles, récemment à la Pinakothek der Moderne de Munich et au Domaine de Chamarande (2025), et a participé à plusieurs expositions collectives, au Musée d’Art Moderne de Paris ou au MAC Marseille (2024). Il a également exposé lors de foires et biennales internationales, dont Art Basel Paris, la Biennale de sculptures Artzuid d’Amsterdam (2025) et la FIAC Hors les murs aux Tuileries (2019). Une sculpture est installée de manière permanente à Paris depuis 2018 (Beaupassage). En 2019, il est sélectionné dans 100 Sculptors of Tomorrow paru chez Thames & Hudson.

Par conviction, Xie Lei a choisi la peinture parce qu’elle lui ouvre la voie d’un langage traduisant son univers sensible et un terrain d’expérimentation pour creuser la spécificité de ce médium dans la contemporanéité. Sa pratique part du réel mais s’en échappe pour explorer des mondes équivoques, incertains, que son imaginaire transforme. La plupart de ses tableaux renvoient à des situations troubles ou inquiétantes, discrètement rattachées à des souvenirs littéraires et cinématographiques, ou bien puisées au creuset profond des sentiments. Il s’attache à la complexité des évènements, des situations et surtout à leurs ambiguïtés, leurs tensions. Sa peinture récente intrigue par un entre-deux, celui du sommeil et la mort. Les couleurs sont sombres, mais mutent pour devenir lumineuses, puissantes. La peinture telle que la pratique Xie Lei se singularise en délivrant une autre perception du temps : salutairement, elle propose de ralentir le regard et d’échapper aux ivresses de l’accélération et de l’immédiateté.

Xie Lei (né en 1983 en Chine) vit et travaille à Paris depuis 2006, et est diplômé de la CAFA de Pékin et de l’ENSBA de Paris. Il est le lauréat du Prix Marcel Duchamp 2025. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses institutions : Fondation Louis Vuitton, Paris (FR); MO.CO, Montpellier (FR); CAPC, Bordeaux (FR); Villa Noailles, Hyères (FR); Collection Lambert, Avignon (FR); MAC VAL, Vitry-sur-Seine (FR); Langen Foundation, Neuss (DE); Musée national de l’histoire de l’immigration, Paris (FR); Fondation d’entreprise Ricard, Paris (FR). Ses œuvres figurent dans des collections publiques et privées, telles que Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, MAC VAL, Albertina Museum et X Museum. Xie Lei a été pensionnaire de la Casa de Velázquez à Madrid (2020-2021), et résident de la Villa Médicis à Rome (2024).